Mes: mayo 2021

El Festival de la Imagen se ha caracterizado por tocar el tema del ecosistema tecnológico y creativo alrededor del diseño, así como las formas en que la ciudadanía se articula para propiciar espacios de encuentro, especialmente alrededor de la imagen. Estos han sido realizados desde diferentes frentes como lo transmedia, tecnológico, sonoro, escenográfico, económico, etc., líneas dentro de las cuales desarrolla programas como el mercado de diseño, el encuentro de laboratorios, los ciclos de conversación, foros estudiantiles, entre otros momentos de debate y trabajo.  Hoy nos centraremos en una entrevista realizada a Santiago Escobar-Jaramillo, cabeza de Raya Editorial, y Ana María Lagos, creadora-investigadora, quienes nos contarán algunos datos sobre MESAS DE EDICIÓN evento llevado a cabo en el Centro Cultural Rogelio Salmona.

Afiche oficial MESAS DE EDICIÓN 2021.

Vivimos en un momento de sobreproducción y saturación visual que se ha salido de nuestras manos, y en donde se sitúan muchas de nuestras interacciones, incluyendo las prácticas artísticas.  Dentro de este caos de datos e información, ha tomado una nueva potencia el rol del editor, del curador y de otros quehaceres que se dedican a darle forma a este exceso, a clasificarlo y, más importante aún, a resignificar su lectura. Al respecto, Santiago nos cuenta cómo nace este evento:

“Nace de la necesidad de comunicar, editar es comunicar, es la posibilidad que tenemos de contar los proyectos fotográficos en conversación con un lector, con una audiencia, con un público; y digamos que no hay un evento específico que defina lo que es la edición, nos preparamos como editores, muchas veces como una consecuencia de otras cosas pero no como un principio (…) La idea de MESAS DE EDICIÓN es juntar editores para pensar la fotografía en su relación específica con la idea de narrar, de conectarnos con otros públicos, de pensar distintos aspectos que enmarcan los proyectos. Y por eso el interés de juntarnos personas que estamos trabajando la edición desde los fotolibros, los medios, los periódicos, inclusive la curaduría, las redes sociales…”

Ahora bien, los encuentros de este evento se realizaron en un espacio físico especialmente diseñado para este fin, manteniendo además transmisión en vivo de sesiones en donde editores y fotógrafos conversaban las posibilidades del trabajo visual, como menciona Santiago:

“MESAS DE EDICIÓN es una estructura dual, dinámica, que está en constante cambio y movimiento. La estructura de guadua diseñada en conjunto con Estudio Dussan, lo que buscaba era crear un pequeño templo, una pequeña Maloka, un espacio que nos albergara y que a la vez pudiera soportar las cámaras de vídeo que iban a transmitir en vivo.  Estamos en una situación que ha cambiado la manera de encontrarnos y de comunicarnos que es el mundo virtual. Pero, de alguna forma, sabemos que el mundo virtual cansa, aleja, silencia. Y el hecho de podernos encontrar como personas, como humanos, como especie (por eso también el tema INTER/ESPECIES del festival), abrió esa posibilidad de encontrarnos un grupo pequeño, hacer unos ejercicios y que se estuvieran viendo en vivo al otro lado de la pantalla, no sólo en Manizales, sino en Colombia, en Latinoamérica. Que queden esos videos y esas transmisiones como memoria de lo que ocurrió.”

Fotografía cortesía de Santiago Escobar-Jaramillo. Estructura diseño colaborativo con Estudio Dussan. Festival de la Imagen 2021.

A esta necesidad de contacto humano simultánea con las exigencias de la virtualidad, también se refiere Ana María Lagos, editora invitada a participar, cuyo trabajo está incluido en la colección AÑZ, Fotografía Expandida de Latinoamérica:

“Yo creo que de todo lo que se construyó durante esta semana (las mesas de edición, la publicación del paro y el compartir de cada autor / autora) tiene unas líneas de trabajo y estas a su vez tienen una importancia, un valor. Una de ellas es la posibilidad de converger tantas miradas, formas de trabajo y recorridos profesionales, pero también subjetividades, corporalidades y afectos tan diversos; porque el hecho de habernos encontrado después de todo este tiempo de aislamiento y pandemia nos ha hecho reafirmar el valor del encuentro (…)  Este espacio es super valioso porque nos ha permitido juntar muchas perspectivas de vida en un contexto de pandemia en el que la virtualidad ha atrapado todo, el relato y la forma de trabajo actual. Y que, aunque sí que tuvo su elemento virtual, siento que es potente la intersección entre varios espacios: al final las MESAS DE EDICIÓN se plantearon desde la biblioteca, pero era un espacio arquitectónico y allí estábamos nosotros como grupo conectados con un montón de personas que pueden estar viéndonos desde muchos lugares.”

Por otro lado, también es importante resaltar las personas involucradas dentro del evento como editoras y fotógrafas invitadas, quienes aportaron pluralidad, profesionalidad y expansión a este proceso. Santiago nos cuenta el porqué de esta selección:

“Todos son tremendos fotógrafos. Con Matiz taller editorial y Raya Editorial, hemos creado la colección AñZ, fotografía expandida en Latinoamérica, en dónde pensamos la imagen al límite del lenguaje documental. Una fotografía que tiene que ver con la tecnología, con los actos participativos, comunales, con el archivo, con la pesquisa, con lo sensorial, la hibridación, la fragmentación en el plano estético y simbólico. Fotografía que tiene relación con lo transmedial, las redes sociales, la nube… Todos estos fotógrafos-editores no solo hacen fotografía expandida sino que además sus procesos y métodos también son expandidos: algunos de ellos tienen editoriales, escuelas,  procesos de gestión, colectivos de trabajos, escriben, exponen… multiplicidad de saberes y formas de hacer (…) Creo que en esos distintos mundos encontramos un aprendizaje y una experiencia, invitados no solo colombianos que se destacan su área sino también internacionales para crear nuevos vínculos, construir procesos, extender estas vivencias personales y fomentar un trabajo colectivo y en equipo.”

Esta es una temática a la que da mucha importancia también Ana María como partícipe de este espacio de trabajo y construcción colectiva: “Somos muchas miradas, de muchos lugares geográficos y también formas de hacer; por ejemplo mi trabajo es mucho más desde fotografía del arte, hay quienes trabajan desde la fotografía documental como Oscar que estaba registrando en calle todo el tema del paro, Musuk que acaba de trabajar una publicación sobre el conflicto sociopolítico en Perú… siento que es una perspectiva muy global.”

Fotograma extraído de sesión MESAS DE EDICIÓN. Festival de la Imagen 2021.

Por otro lado, con Ana María estuvimos conversando sobre la importancia de que esto suceda justamente en la ciudad de Manizales, porque vale la pena resaltar que es uno de los eventos donde se articulan diversas iniciativas locales como editoriales, gestiones culturales y grandes instituciones, por ejemplo, taller editorial Matiz, Raya Editorial, Universidad de Caldas, Banco de la República, La Jaus, Estudio Dussan, entre otras:

“Es importante que estos encuentros se ejecuten y se desarrollen en espacios como Manizales o como Pereira, que son ciudades intermedias porque aportan a la narrativa y la reflexión de los temas que nosotros estuvimos trabajando (…) Aunque venimos todos de lugares tan diferentes (como Argentina, Perú, Ecuador…) creo que hay un vínculo y una reflexión fuerte por el territorio. El solo hecho de habernos reunido y poder habitar en esta geografía, su clima, su olor, todo lo que implica estar en un espacio, ha hecho que la reflexión, las preguntas y lo que estamos compartiendo tenga un sentido muy diferente (…) El marco general es el paro, pero al final se geolocaliza en la medida en que estamos aquí. Me parece linda también la reflexión, como una metáfora, porque hay una relación local y global: está aquí en el sitio, un poco más grande en donde nos estamos quedando, en Manizales, en el eje cafetero, en Colombia y esta última es un espacio que interactúa con Latinoamérica. Una cosa de ida y vuelta, y siento que es la misma metáfora de lo físico y lo virtual, un mismo ir y venir. 

Por último, retomando un tema nombrado anteriormente, dentro de MESAS DE EDICIÓN se tuvieron dos convocatorias públicas previas, una sobre el conflicto armado y otra que se relaciona con la actual situación que atraviesa el país. Le preguntamos a Santiago por qué vincularse con estos acontecimientos, a lo que nos responde:

“Creo que tiene que ver con la empatía. Que todos nosotros, los editores invitados, las instituciones que acogen, las editoriales que publican, hacemos parte de un mismo ecosistema y somos sensibles a la situación que atraviesa el país. De alguna manera tenemos el derecho a protestar y esta es nuestra manera de hacerlo: desde el diálogo, desde la colaboración, desde la conexión con las personas que están en la calle, que se están enfrentando, que están gritando a viva voz lo que piensan y sienten. Entonces por eso uno de los productos de MESAS DE EDICIÓN es esta publicación colectiva del paro nacional y la protesta social en Colombia 2021, en donde todos esos editores están reflexionando sobre el acontecer a partir de fotos que enviaron de más de 170 personas y que dan cuenta de la realidad nacional, del último mes, de los últimos 28 días.”

Fotograma extraído de sesión MESAS DE EDICIÓN. Festival de la Imagen 2021.

Por último, espero que quien haya llegado hasta aquí siga su día con la idea de que Manizales tiene iniciativas constantes y activas dentro del campo cultural que es necesario estar atentos y participar de estos espacios de diálogo, exposición y creación para poder articular mejor un ecosistema de movimiento, profesionalidad y apoyo mutuo, y por qué no, para generar nuevas alternativas con diferentes discursos que hagan de esta región un lugar de diálogos, disensos y convergencias alrededor de las prácticas artísticas y creativas.

*Artista Visual y Gestora Cultural y Comunicativa.

Nos encontramos cumpliendo un mes de uno de los paros nacionales más fuertes que ha pasado el país. Y era inevitable tocar este tema, precisamente porque no sería ético seguir con los ojos cerrados; como muchos han ya dicho por estos días, la neutralidad en este tipo de casos implica tomar el bando del poder que ya está instaurado.

Así que, con mucha pasión, con la rabia de ver nuestros derechos humanos pisoteados y con la consciencia de un país que ha vivido en el conflicto y la injusticia por décadas, escribo estas palabras. Afortunadamente me encuentro con un Festival de la Imagen que no está exento de voces que resaltan estas situaciones, en gran número colombianas (cosa que me alegra) y que nos hacen continuar despiertos en un país donde existen seres humanos para los cuales matar al otro es un oficio, al mismo tiempo que personas que no conocen otra realidad se han cansado de soportar un caos (de miseria y corrupción) que se ha vuelto orden.

Sólo con leer el programa me encontré con la grata sorpresa de una reinterpretación de la obra de Zoe Leonard “I want a president” en donde la artista menciona su candidato ideal: alguien que haya vivido las exclusiones, censuras y dificultades que acarrea la injusticia social en todo el mundo como una mujer, una persona negra, alguien de la comunidad LGTBI+, un ciudadano de bajos recursos, alguien viviendo con VIH… muchas de nosotras, a decir verdad.

A partir de esta obra la artista Xuanxi Ge (China) escribe con pasta la primera frase, “quiero una lesbiana de presidenta” y permite que sea alimento para el moho, mientras poco a poco desaparecerá llenándose de nuevos habitantes, bacterias inesperadas, que intentarán ganar ese espacio. Una pregunta abierta por la política y la forma en que chocan las comunidades entre sí, especialmente las minorías contra las mayorías. La obra representa una lucha por representación y poder, hace un guiño a la afectación durante la pandemia, principalmente en grupos marginalizados y, además, pone en duda el poder político humano ante otras especies, abriendo puertas a nuevas formas de convivencia.

Vista de la muestra I want a dyke for president de Xuanxi Ge, Festival de la Imagen 2021.

Sin duda lo social aquí es biológico. El arte, una vez más, nos recuerda que es altamente político. Las palabras y las imágenes están allí para ser utilizadas, para volverlas a traer a una vigencia que sigue siendo la misma y hoy leemos con un lente contextual que nos atraviesa como colectivo. Los conflictos, entonces, se expanden y las teorías se resignifican en el puente sonoro de Ivar Rocha (Brasil) e Ivonne Villamil (Colombia) en donde narran simultáneamente en portugués y español la primera parte del texto “Doctrina Anarquista al Alcance de Todos” de José Oiticica: hablan de la energía universal traducida en la naturaleza, la cual es leída por el cuerpo y cuyas fuentes favorables pueden ser aprovechadas en un contexto político, justo basado en la disminución del sufrimiento y el malestar humano. Estos últimos son causados por fenómenos naturales y por la mala organización social a partir de la propiedad.

Por otro lado, algunas estancias específicas asociaron directamente los sucesos actuales del país y el apoyo desde otros activismos internacionales. Una de las más impactantes fue el inicio del diálogo de OV (Francia), directora de SCUM MUTATION, un corto que habla sobre el tejido social, el estrés postraumático en casos de represión y la identidad de una generación que en múltiples latitudes ha sido violentada por su condición social, su cuerpo, su procedencia, su raza, entre otros. La artista menciona que la superación colectiva es “la única bandera posible” ante el autoritarismo, también retoma la paradoja sobre la creación artística contrastada con la acción directa (a veces mucho más necesaria) y envía explícitamente fuerza a los manifestantes colombianos.

Fotograma extraído del foro Cine y Digital, Identidades Virtuales, Festival de la Imagen 2021.

El ciclo de Cine y Digital remite en múltiples ocasiones a la violencia como base de nuestra construcción identitaria: En el corto Las Fauces, dirigido por Mauricio Maldonado, nos acercamos al conflicto urbano y la soledad de las montañas de Medellín; en 84 de Daniel Santiago Cortés, nos situamos en el acuerdo de paz firmado ese año y el asesinato de un sacerdote católico indígena, defensor de los derechos humanos. Sin duda nos hace pensar que la historia es cíclica, donde la muerte se sigue paseando entre lo rural y lo urbano, los líderes asesinados en las montañas del Cauca y la violencia urbana entre la ficción y la realidad. Recurriendo a lo poético, el video Fu (María Rojas y Andrés Jurado) afronta metafóricamente que todo nuestro país es un cementerio indígena basado en una memoria fantasiosa y popular. Por otro lado, Project Politique de Daniel Nicolás Aguilera (Chile) se sitúa en el desarraigo, la desacralización de las instituciones políticas, la censura y el descontento con el ritmo de la ciudad misma, entre la imposibilidad de pertenecer y la búsqueda de identidad colectiva e individual.

Fotograma extraído del video arte Projecte Politique de Daniel Nicolás Aguilera, Retina Latina y Festival de la Imagen 2021.

Entre un panorama tan sombrío, cabe decir que estamos al fin en una generación que se ha cansado de estos abusos reiterativos, la falta de oportunidades y los largos silencios de la desaparición. Esto lo respalda Lucía Gonzales, Comisionada para el Esclarecimiento de la Verdad, la convivencia y la no repetición, en su intervención Nombrar lo Innombrable. Ella menciona cómo el arte es una práctica para hablar de eso que no hemos querido abordar y hacer visible lo invisible. El arte, según Juan Manuel Echavarría, es como el escudo de Perseo, que nos protege de mirar directamente lo que no seríamos capaces de afrontar. También menciona Lucía, que hay una emergencia de la palabra, una necesidad de expresión siempre desde el respeto, la seriedad y la profundidad necesaria para encarar el dolor.

Lucía recuerda el alto grado de abandono estatal de las regiones, ciudadanías y naciones plurales dentro del territorio nacional, quienes han sufrido una sociedad clasista y racista. Justo mientras la comisionada hablaba sobre el mural que fue censurado en Medellín, en nuestras calles sucedía la misma acción, una muestra de la criminalización de la protesta que se mantiene como una constante por más de 60 años y que persiste de heridas coloniales aún hoy abiertas. Esta conversación deja una invitación clara: mantener la fuerza vital de estos movimientos de insurrección hasta lograr un cambio importante, en una exigencia justa por la dignidad ante hechos insoportables de desprecios sostenidos.

Fotograma extraído de la conferencia Nombrar lo Innombrable de Lucía Gonzales.

Ahora bien, sin duda, hay una gran paradoja (y diferencia) entre visibilizar otras voces desde el acto poético, sensible y político, y acaparar el protagonismo de un momento que no nos pertenece como individuos; afortunadamente en el Festival no vi directamente este segundo ámbito. Espero que en futuras ediciones de este tipo de eventos sea recurrente la presencia de programas continuados que en realidad incluyan estas perspectivas diversas, y todos estos sonidos que aún nos siguen faltando, especialmente los creadores de dichas comunidades, los que están hoy en las calles. A pesar de ello reitero que, aunque sin apoyarlo, prefiero el oportunismo de algunos al silencio de muchos.

Los monumentos caídos que reescriben la historia y algunas prácticas artísticas que hoy explotan y se manifiestan, son un recordatorio de todo lo que no nos contó la escuela y de las comunidades que han sido silenciadas. Por último, Sebastián Muñoz, egresado de la Universidad de Caldas, da un cierre perfecto a esta nota con la video danza experimental 6402 en la que la situación actual del país atraviesa directamente el cuerpo.

Concluyo con algunas palabras que resumen varias ideas escuchadas esta semana dentro de los espacios del Festival: Necesitamos reconocer mejor a Colombia, entablar diferentes diálogos para lograr cruzarnos entre sí, para mantener esta capacidad de indignarnos que nos hace humanos y nos lleva a exigir, esperamos que, de forma constante, la dignidad y la memoria. Creo que generar nuevos imaginarios tiene más lógica hoy que en cualquier otro momento y que las prácticas artísticas pueden ser ventana para conocer lo externo, constructoras de realidad e incitadoras del cambio, teniendo en cuenta que cuando se trata sobre estos temas, nunca es suficiente.

Fotograma extraído del video Danza experimental 6042 de Sebastián Muñoz.

*Artista Visual y Gestora Cultural y Comunicativa.

 Fue justo en un Festival de la Imagen, hace muchos años, que escuché por primera vez una frase que recordaré por el resto de mi vida: Podemos cerrar los ojos o la boca, pero nunca los oídos. Siempre me ha parecido que la escucha es un sentido infravalorado al que a veces se le niega su naturaleza de ser un requisito vital de la percepción del mundo. Por esta razón, en las propuestas artísticas ha sido un foco de exploración constante y en lo social un requisito indispensable.

Una de las áreas más fuertes de este Festival es sin duda el escenario sonoro, el cual, aunque suele estar concentrado en los puentes y paisajes (que lo han caracterizado por años), también se expande en las demás áreas.  Este año se podían navegar muchas obras que mezclan el sonido natural con el proveniente de la inteligencia artificial (mientras sólo se respaldan con la producción visual) pero hubo una en especial que me llamó la atención: el corto Tremendous Cream de MCai (Rusia) que se asemeja a un video de rap ambientado en los noventa cuya letra y música es seleccionada por medio de la inteligencia artificial, pensado como el perfecto artista contemporáneo al hacernos dudar de qué es lo que conforma lo que llamamos creación.

Entre estos ruidos electrónicos pienso una vez más que los nuevos medios hace mucho que son viejos. Hoy para algunos creadores la inteligencia artificial es parte de un ecosistema de convivencia, es una forma de co-creación más que una herramienta, mientras para otras personas del común es apenas una distopía digna de película de ciencia ficción. Esta contradicción es esperable cuando vivimos en una generación que abruptamente ha vivido desde el disquete hasta la nube, convirtiéndonos en parte de una evolución acelerada de todo un nuevo universo digital como nos recuerda el vídeo de Sebastián Sagot que mezcla imágenes y sonidos relacionados con este tipo de narrativa visual.

Sumándole a esto, llevamos dos años procurando acostumbrarnos a micrófonos, cámaras y bots que, aunque ya eran usuales en varios contextos, están cada vez más fundidos con nuestra casa y nuestro cuerpo, tema del que obviamente debía dar luces esta edición 2021. Por ejemplo, Antibodies es una instalación interactiva de TBD, que presenta una interminable reunión virtual donde podrías encontrarte con personas de cualquier parte del mundo y en la cual tus gestos tienen una respuesta a partir de patrones y sonidos. Otra obra que contrapone esta virtualización acelerada de nuestras actividades en estos tiempos de pandemia y cuarentenas, es la Agencia internacional de teletransportación de Martin Groisman que contrasta el aislamiento social desde un performance para simular viajes en realidades paralelas.

Vista del proyecto Agencia Internacional de Teletransportación de Martin Groisman

Desde la edición 2020 el Festival de la Imagen tuvo que enfrentarse al reto de ofrecer una programación online, con sus obstáculos y posibilidades. En este caso casi podríamos hablar de virtualizar lo digital, y aunque ha sido complejo en muchos sentidos, no dejan de asombrarme hechos tan sencillos como que en el foro de cine y digital podamos tener directoras que se presentan con su identidad virtual o la simultaneidad de plataformas a las que nos lleva un click.

Pero, además de todas estas infinitas posibilidades sensibles e investigativas de lo tecnológico, también estos ecosistemas compartidos con las máquinas y los códigos nos han llevado a interpelar su función, su alcance y lo que nos hace humanos. Nos han creado una verdadera relación más allá del simple uso.

Sin duda el acercamiento más interesante que he tenido hasta ahora con este tema ha sido la conferencia de Lasse Scherffig de Alemania, quien hablaba de la tecnología invisible. Él abarca aquel juego en que diseñamos para confundir a los códigos a partir de los cuales las máquinas logran leer el mundo. En muchos aspectos el diseño está pensado para el sistema y sus ambientes, incluso cuando se hace específicamente para ser invisibles hacia ellos. Poco a poco todo el contexto se modifica para dar más espacio a estos seres ya no tan automáticos ni tan metálicos como nos vienen a la mente. Desde las señales de tráfico que restringen la presencia de humanos, gafas para confundir el reconocimiento facial, espacios de trabajo pensados para robots, entre muchos otros inventos, hacemos intentos constantes de entender la máquina como humano y el humano como máquina, de hablar lenguajes similares que faciliten comprender un ambiente y una ecología digital (y, por tanto, no sólo humana).

Ahora bien, estas obras que piensan ciertos planteamientos de lo tecnológico más allá de siempre ser afirmativas, han llegado a plantearse problemáticas muy profundas desde la misma interactividad y las herramientas de lo mecánico, como pueden ser la obsolescencia programada, la privacidad, la energía que utilizamos y la forma en que todo esto nos utiliza a nosotros. Es urgente que, cómo muestran estas obras, dejemos de centrar nuestra atención y de medir la calidad del arte y el diseño según una innovación tecnológica, que a veces sólo busca impactar con más pantallas, cables y movimientos estridentes. Estos proyectos que en realidad logran reflexionar sobre los campos más avanzados, no sólo asombran en la utilización de herramientas, sino que dialogan necesariamente con los conceptos, contextos, historias y procesos humanos que hay detrás. Abandonan una carrera que se vuelve producción industrial extrema en lugar de crítica y sensibilidad.

Pensar y comprender la tecnología ha llevado a múltiples artistas a interpelar lo que consideramos mecánico y lo que no, y con ello, a reconsiderar en las acciones más cotidianas cómo son nuestras relaciones con los objetos y territorios. En el video de Paulina Martínez titulado Paseos Dentro, el cuerpo adopta la experiencia de una aspiradora robot preguntándonos ¿cómo convivimos con lo automatizado? ¿hasta dónde somos cyborgs permanentes? Por otro lado, la obra de Lasse Scherffig, Hill Climbing, persigue las pendientes de Manizales de forma autónoma y matemática con una relación visual y casi una burla en su planteamiento: ¿Cómo vivimos el territorio desde la inteligencia artificial? ¿Qué tiene lógica y qué no para estas nuevas formas de pensamiento que componen nuestro mundo? ¿Quién y cómo nos muestran la ciudad en internet?

Fotograma extraído de Paseos Dentro de Paulina Martínez, Media Art Festival de la Imagen 2021

Fotograma extraído de Hill Climbing, exposición virtual de Lasse Scherffig Festival de la Imagen 2021

El Festival de la Imagen es literalmente un mar de información en donde la mezcla entre tecnología, inteligencia artificial y arte nos ha hecho escuchar el sonido de nuestra cara, del vacío, del mundo sin humanos, de las bacterias y de tantas otras cosas; cuesta imaginar alguna imposibilidad en este mundo tan lleno de máquinas y de creatividad.

Ha sido toda una sorpresa encontrarme con estas propuestas que hackean el sistema desde adentro y desestabilizan las formas en que asumimos el progreso o el desarrollo, para darnos cuenta de que hace mucho estamos situados en un contexto que nos desborda, y que convive de cerca con todos nuestros hábitos. También con aquellas que no buscan que la virtualidad sea una traducción de la presencialidad, sino que realmente exploran hasta el último rincón de sus posibilidades (como No Exit Oasis de Kurt Hentschlager), para comprender que no somos el centro de estos lenguajes ni tenemos porqué serlo.

*Artista Visual y Gestora Cultural y Comunicativa.